Жан Франсуа Милле Жан Франсуа Милле нашел свое призвание в изображении картин сельского быта. Он писал крестьян с глубиной и проникновенностью, напоминающими о религиозных образах. Его необычная манера принесла ему заслуженное признание, не подвластное времени.
Автопортрет Жан-Франсуа Милле 1841, 63.5×47 см, музей Изящных искусств, Бостон Милле учился живописи в Париже у П. Делароша. В конце 1830-х - 1840-е годах писал эклектические по манере портреты, галантные сцены в духе Буше, мифологические композиции. Сблизившись в конце 1840-х годов с мастерами барбизонской школы (Н. В. Диазом и др.), обратился к изображению крестьянской жизни. ; его манере 1850-60-х годов присущи чёткость композиций, монументализация форм композиционными средствами (низкий горизонт, крупные планы фигур), тонкие валёрные отношения, тяжеловатые, землистые тона колорита. С середины 1850-х годов Милле много работал в технике офорта, а также пастели. Жан Франсуа Милле родился 4 октября 1814 года в деревне Грюши, в Нормандии. Его отец служил органистом в местной церкви, один дядя будущего художника был врачом, а второй - священником. Эти факты многое говорят о культурном уровне семьи будущего художника. Милле с ранних лет работал на ферме, но при этом получил хорошее образование, изучал латынь и на всю жизнь сохранил любовь к литературе. С детства мальчик проявлял способности к рисованию. В 1833 году он отправился в Шербур и поступил в мастерскую художника-портретиста дю Мушеля. Спустя два года Милле сменил наставника - новым его учителем стал художник-баталист Ланглуа, бывший к тому же смотрителем местного музея. Здесь Милле открыл для себя работы старых мастеров - в первую очередь, голландских и испанских художников XVII века.
Тише! (Портрет женщины с ребенком), Жан-Франсуа Милле 1855, 45.5×38.3 см
В 1837 году Милле поступил в престижную парижскую Школу изящных искусств. Он учился у Поля Делароша - известного художника, писавшего несколько театральные полотна на исторические темы. Поссорившись в 1839 году с Деларошем, Жан Франсуа вернулся в Шербур, где пытался добывать себе средства на жизнь портретами. Он получил заказ на посмертный портрет бывшего мэра Шербура, но работу отвергли по причине ее малого сходства с умершим. Чтобы сводить концы с концами, художник какое-то время зарабатывал тем, что писал вывески. В ноябре 1841 года Милле женился на дочери шербурского портного Полине Виржинии Оно, и молодая пара переехала в Париж. Он бился в тисках нищеты, которая стала одной из причин смерти его жены. Она умерла от туберкулеза в апреле 1844 года, в возрасте 23 лет. После ее смерти Милле вновь уехал в Шербур. Там он познакомился с 18-летней Катрин Ле-мер. Их гражданский брак был зарегистрирован в 1853 году, но обвенчались они лишь в 1875 году, когда художник был уже при смерти. От этого брака у Милле родилось девять детей.
Пейзаж с фермой в окрестностях Гревилля, Жан-Франсуа Милле 1855, 71.5×91.5 см, музей изящных искусств, Реймс В 1845 году, проведя недолгое время в Гавре, Милле (вместе с Катрин) поселился в Париже.
В это время Милле забросил портрет, перейдя к небольшим идиллическим, мифологическим и пасторальным сценкам, пользовавшимся большим спросом. В 1847 году он представил в Салоне картину «Дитя Эдип, снимаемый с дерева», получившую несколько благоприятных отзывов. Положение Милле в мире искусства резко изменилось в 1848 году. Отчасти это было связано с политическими событиями, а отчасти с тем, что художник нашел, наконец, тему, которая помогла ему раскрыть свой талант. В ходе революции король Луи-Филипп был свергнут, и власть перешла в руки республиканского правительства. Все это отразилось и на эстетических предпочтениях французов. Вместо исторических, литературных или мифологических сюжетов популярность обрели изображения простых людей. В Салоне 1848 года Милле показал картину «Веяльщик», как нельзя лучше отвечавшую новым требованиям. "Веяльщик" (1848), 101 х 71 см, Национальная галерея, Лондон На этом полотне Милле впервые обозначил сельскую тему, ставшую ведущей в его творчестве. В Салоне 1848 года картина была встречена с восторгом, хотя некоторые критики отмечали шероховатость письма. Полотно купил министр французского правительства Александр Ледрю-Роллен. На следующий год он бежал из страны - вместе с ним исчезла и картина. Полагали даже, что она сгорела во время пожара в Бостоне в 1872 году. Позже Милле написал еще два варианта «Веяльщика», эти копии и были известны. В 1972 году - ровно через сто лет после предполагаемой гибели оригинал «Веяльщика» нашли в Соединенных Штатах, на чердаке одного из домов. Картина (лишь сильно загрязненная сверху) оказалась в хорошем состоянии и даже в оригинальной раме, на которой сохранился регистрационный номер Салона. Ее показали на двух юбилейных выставках, посвященных столетию со дня смерти Милле. В 1978 году «Веяльщик» был куплен на нью-йоркском аукционе лондонской Национальной галереей. Красный головной убор, белая рубашка и синие штаны крестьянина соответствуют цветам французского республиканского флага. Лицо веяльщика находится в тени, делая анонимной и как бы обобщенной фигуру этого, занятого тяжелым трудом, человека. По контрасту с лицом веяльщика, его правая рука сильно освещена. Это рука человека, привыкшего к постоянному физическому труду.
Подбрасываемое зерно образует золотое облако и резко выделяется на темном фоне. Процесс просеивания приобретает на картине символический смысл: зерно новой жизни отделяется от плевел. Он получил правительственный заказ на картину «Агарь и Измаил», но, не закончив ее, сменил тему заказа Так появились знаменитые «Сборщицы колосьев».
"Сборщицы колосьев" 1857г., 83,5x110 см Музей Орсе, Париж На полотне изображены три крестьянки, собирающие оставшиеся после жатвы колоски (это право предоставлялось беднякам). В 1857 году, когда картина была показана в Салоне, крестьяне рассматривались как потенциально опасная, революционная сила. К 1914 году шедевр Милле стали воспринимать уже иначе - как символ французского патриотизма. Его даже воспроизвели на плакате, призывающем вступать в ряды национальной армии. Сегодня многие критики, признавая непреходящую ценность картины, находят ее слишком сентиментальной. Склоненные фигуры крестьянок напоминают классическую фреску. Очертания фигур перекликаются со скирдами хлеба на заднем плане, чем подчеркивается ничтожность того, что досталось на долю этих бедных женщин. Образы Милле вдохновили немало художников, шедших вслед за ним. Подобно Писсарро, Ван Гогу и Гогену, Милле искал в крестьянском быту идеал патриархального мира, еще не зараженного тлетворным дыханием цивилизации. Все они помышляли о бегстве из города в гармонию сельской жизни. В 1850-х годах подобные пристрастия не слишком приветствовались - во-первых, крестьянская масса рассматривалась как источник революционной опасности, а во-вторых, многим не нравилось то, что образы невежественных крестьян возвышались до уровня национальных героев и библейских персонажей. При этом сельская тема была достаточно распространена в тогдашней живописи, но крестьяне в существовавшей традиции изображались или пасторально, или, напротив, иронично. Ситуация изменилась с приходом импрессионистов и постимпрессионистов. В частности, Писсарро постоянно интересовался реалиями повседневного крестьянского труда, а у Ван Гога крестьянин неизменно воплощал утраченную современным обществом простоту и духовную возвышенность. Милле начал с карандашного наброска, после чего стал наносить основные цвета. На этой стадии работы он использовал сильно разведенные краски - прусскую синьку и титановые белила для неба, сырую умбру для стогов, и сырую умбру, с добавлением кармазина и белил, для поля. Чтобы написать одежду крестьянок, были взяты прусская синька (смешанная с белилами) для одного платка, индиго (с белилами) для юбки и красная винзорская (с кармазином и белилами) для нарукавника и другого платка. В качестве основного цвета для неба Милле использовал прусскую синьку, наложив сверху розовато-лиловые облака, написанные кармазином и белилами. Левая сторона неба подсвечена бликами желтой охры. Для земли потребовался сложный цвет, полученный из жженой умбры, жженой сиены, кармазина, синего кобальта, зеленого кобальта и белил. Как и на небе, художник накладывал все более темные слои краски там, где нужно было изобразить неровности на поверхности земли (они видны на переднем плане). При этом приходилось пристально следить за черными контурами, сохраняя рисунок. Далее Милле занялся сценой вокруг стогов на заднем плане. Он воссоздавал ее частями, постепенно углубляя цвет на сложных формах и фигурах. Стога написаны желтой охрой, с добавлением на темных участках сырой умбры; далекие фигуры - винзорской красной краской, индиго, прусской синькой и белилами. Телесные тона составлены из жженой сиены и белил. На последнем этапе Милле вернулся к фигурам главных героинь картины. Он углубил темные складки одежды, а затем добавил необходимые тона, повторяя этот процесс до тех пор, пока не была достигнута нужная глубина цвета. После этого художник написал блики. Для левой фигуры бралась прусская синька (с добавлением жженой сиены, для шляпы); для темных участков ее лица и шеи - сырая умбра с добавлением жженой умбры и черной краски; для юбки - прусская синька с добавлением индиго; для руки - жженая сиена и сырая умбра. Красный цвет на правой фигуре написан винзорской красной краской, смешанной с жженой сиеной и желтой охрой; синий воротничок - прусской синькой и белилами; нижняя рубашка - прусской синькой, сырой умброй и белилами с добавлением винзорской красной краски; блуза - белилами, частично затемненными сырой умброй и прусской синькой; юбка - прусской синькой, смешанной с жженой сиеной (чтобы придать ткани темный зеленоватый оттенок). Многое зависело от того, насколько искусно выполнены блики. Так, например, белые рубашки на заднем плане создают эффект дымки. Такая интенсивность бликов привносит ощущение глубины, делая фигуры объемными. Без этого изображение выглядело бы плоским. Богатство цвета на этом участке картины достигнуто не столько за счет добавления новых слоев, сколько за счет обработки уже наложенной краски. Милле работал пальцами, размазывая краску или снимая ее с полотна. Снять излишки уже использованной краски тут гораздо важнее, чем добавлять новую! Полученные за картину деньги позволили Милле перебраться в деревню Барбизон близ Парижа. Этот переезд был вызван тем, что обстановка в столице вновь обострилась. Ко всем неприятностям добавилась еще и эпидемия холеры. Барбизон же издавна считался художественным местом, здесь жила целая колония художников, создавших знаменитую «барбизонскую школу». «Мы собираемся пробыть тут какое-то время», - писал Милле вскоре после прибытия в Барбизон. В результате он прожил в Барбизоне всю оставшуюся жизнь (не считая периода франко-прусской войны (1870-71), когда Милле укрывался с семьей в Шербуре). Милле также помогали его друзья-барбизонцы - в первую очередь, Теодор Руссо, успехи которого резко обозначились в 1850-х годах. Однажды Руссо даже анонимно купил в Салоне картины Милле, выдав себя за богатого американца. И все-таки поначалу нужда время от времени давала о себе знать. Немало крови попортили Милле и критики, чье отношение к его живописи было далеко неоднозначным. У них стало правилом трактовать картины художника, исходя из собственных социально-политических пристрастий. Консерваторы видели в крестьянах потенциальную угрозу политической стабильности и находили образы Милле грубыми и даже провокационными. Левые критики, напротив, полагали, что его картины возвышают образ трудящегося человека. Подобный анализ скользил по поверхности, не раскрывая истинного значения художественного мира Милле.
"Анжелюс" (1857-59) 55х66 см Музей Дорсе, Париж, Жан Франсуа Милле Эту картину заказал Милле американский художник Томас Эпплтон, очарованный «Сборщицами колосьев». Милле написал крестьянина и его жену на закате. Они стоят со склоненными голосами, слушая церковный колокол, призывающий к вечерней молитве. Такая молитва читается католиками три раза в день. Работа получила название по ее первым словам («Angelus Domini», что означает «Ангел Господень»). Эпплтон по неизвестным причинам не купил картину, и она в течение десяти лет переходила из рук в руки, время от времени появляясь на выставках. Ее простота и пафос благочестия завораживали зрителей, и вскоре почти в каждом французском доме появилась репродукция этой работы. В 1889 году, когда картину вновь предложили к продаже, за нее яростно боролись Лувр и консорциум американских торговых агентов. Американцы победили, отдав за полотно Милле рекордную по тем временам сумму (580 000 франков). Далее последовало турне картины по городам Америки. Позже, в 1909 году, она была перекуплена и подарена Лувру одним из французских толстосумов. Фигура мужчины образует «колоннообразный» контур. Милле сумел написать этот образ так, что мы отчетливо видим, насколько неуклюже поворачивает мужчина в своих привыкших к грубой работе руках снятую с головы шляпу. Длинная темная рукоятка и трезубец вил эффектно контрастируют с грубой фактурой свежевспаханной земли. Женщина изображена в профиль, который выделяется на фоне светлого закатного неба. На заднем плане над горизонтом отчетливо выступает шпиль церкви. На полотне запечатлена церковь в Шалли (неподалеку от Барбизона), хотя в целом этот сюжет был навеян детскими воспоминаниями Милле. Услышав колокольный звон, его бабушка всегда останавливалась, чтобы прочитать «Анжелюс».
"Смерть и дровосек" (1859), 77x100 см, Глиптотека Ню Карлсберг, Копенгаген Сюжет картины заимствован из басни Лафонтена. Старый дровосек, уставший от непосильной работы, просит Смерть избавить его от страданий. Однако, когда Смерть является ему, старик ужасается и начинает судорожно цепляться за жизнь. Этот сюжет необычен не только для Милле, но и в целом для живописи. Впрочем, в XVIII веке он уже был использован художником Джозефом Райтом (Милле вряд ли знал о существовании этой картины). Работу Милле жюри Салона 1859 года отвергло - скорее, по политическим, чем по художественным соображениям. (В то время лесорубы считались социально опасным слоем, и потому та симпатия, с которой изображен старик, могла насторожить консервативно настроенных членов жюри). В левой руке Смерть держит изогнутые песочные часы, символизирующие быстротечность времени и неизбежность смерти. На плече Смерти - коса, которой она срезает жизнь человека подобно жнецу, срезающему созревший колос.
Выступающие из под савана ноги Смерти безобразно худы. Это просто кости, обтянутые кожей. Дровосек в ужасе отворачивает голову, но Смерть уже крепко сжимает его горло своей ледяной рукой. 1860-е годы оказались для художника гораздо более успешными. Его работы пользовались большим спросом у коллекционеров. Немалая заслуга в этом принадлежит бельгийцам Э. Бланку и А. Стивенсу. В 1860 году Милле заключил контракт с ними, по которому обязывался поставлять ежегодно им для продажи 25 картин. Со временем он нашел условия контракта слишком обременительными и в 1866 году прекратил его действие. Но многочисленные выставки, организованные бельгийцами, уже сделали свое дело, и популярность Милле продолжала расти. В Салоне 1864 года публика очень тепло приняла прелестную сценку из сельской жизни, названную «Пастушка, охраняющая стадо».
Годы нищеты остались позади. Художник познал славу. В 1867 году, когда в рамках Всемирной парижской выставки проводилась выставка его работ, он стал кавалером ордена Почетного Легиона. Милле всегда был неравнодушен к пейзажу и в последние годы жизни, вдохновленный примером своего друга Теодора Руссо, работал по преимуществу в этом жанре. В 1868-74 годах он написал серию картин на тему времен года для коллекционера Фредерика Хартмана. Эти полотна можно назвать одной из вершин в творчестве художника. "Весна" (1868-73) 86х 111 см, Музей Дорсе, Париж Это первая из четырех картин серии «Времена года». В настоящее время все четыре картины находятся в разных музеях. Милле получил полную свободу от коллекционера Фредерика Хартмана, заказавшего всю серию, и поэтому все четыре полотна довольно произвольно соотносятся друг с другом. Каждое представляет собой самостоятельное произведение, хотя, взятые вместе, конечно, отражают особенности каждого времени года, тем самым передавая динамику природных часов. «Весна» изображает сельский сад после дождя. Солнце пробивается сквозь относимые прочь грозовые облака, и молодая листва, промытая дождем, играет всеми оттенками изумрудного цвета. Живое освещение, простота и непринужденность композиции создают волнующую атмосферу свежести, присущую всякой весенней поре. В верхнем левом углу картины поднимается играющая яркими красками радуга. Она отчетливо выделяется на фоне серого грозового неба. Цветущие фруктовые деревья блестят на солнце и словно перекликаются с деревьями Ван Гога, которые будут написаны им в Арле в 1888 году. (В 1887 году Ван Гог видел «Весну» Милле на выставке в Париже). На переднем плане земля и растительность переливаются яркими красками, создавая живой фон картины, который как будто движется и меняется каждую секунду. Последняя работа Милле, «Зима», так и не была закончена. В ней уже ощущается дыхание смерти. В конце 1873 года Милле серьезно заболел. В мае 1874 года он получил престижный заказ на серию картин из жизни святой Женевьевы (небесной покровительницы Парижа) для Пантеона, однако успел сделать лишь несколько предварительных набросков. 20 января 1875 года художник в возрасте 60 лет скончался в Барбизоне и был похоронен близ деревни Шалли, рядом со своим другом Теодором Руссо.
От: Nika,
Скрыть комментарии (0)
Похожие темы:
|
